Geste Mineur – podcast audio

Réalisation Alice Boccara-Lefèvre

Comment créer des gestes artistiques qui ne soient pas spectaculaires ?

Une personne lance un caillou sur lequel est écrit "Tente ta chance"

Photo: Maria da Silva, 2023

Dans son livre intitulé Le geste mineur, la philosophe et artiste Erin Manning raconte le moment où elle a pris conscience de l’existence de gestes mineurs : des geste faits de presque rien, quasiment imperceptibles, sans sujet, comme anonyme, par lesquels des changements se produisent comme sans en avoir l’air.

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60 questions

Nous avons relevé un ensemble de 60 questions formulées (2021) par les étudiant·es danseur·euses, acteur·rices, metteur·es en scène et scénographes dans leurs travaux écrits de mémoires de Bachelor et Master.

Qui parle au théâtre ?
Et si le monologue était une preuve d’identité ?
Comment sait-on quand on parle pour soi ?
Est-ce que ma parole m’appartient ?
Et si le monologue était un plaidoyer ?
Qu’est-ce qu’une parole réelle ? Qu’est-ce qu’une parole fictive ?
Que serait la vérité d’une expérience ? Qui a l’autorité sur la vérité d’une expérience ?
Est-ce que vivre des expériences nous rend plus apte à en parler ?
Et si le monologue était une manière de garder de l’emprise sur l’autre ?
Et si le monologue était une manière de résister à l’autorité, d’empêcher le cours des choses ?

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(SANS) VOIX

Lou Golaz

Extraits de mémoire de Bachelor Théâtre, soutenu en mars 2022.

[p. 5]
Quand j’étais enfant, je fredonnais beaucoup, c’était une façon de me connecter à mon monde et de couper avec l’extérieur. Je créais des harmonies entre ma voix et le son des moteurs, du mixeur ou de la tondeuse à gazon. Dans le bain ou dans l’ascenseur, je trouvais la note qui vibrait le plus fort dans l’acoustique du lieu. J’essayais de chanter sous l’eau, en courant, sous les ponts ou soutenue par le bruit d’une rivière. Je créais des sons qui me plaisaient avec ma voix et le piano, et je répétais ces harmonies en boucle. Plusieurs voix ont marqué mes oreilles d’enfant : Wim Mertens avec son piano dans son disque Stratégie de la rupture, Vaska Jankowska dans la chanson Ederlezi de Goran Bregović, Lhasa de Sela, Andreas Scholl et Barbara Bonnet dans le Stabat Mater de Pergolesi, les artistes de Starmania, deux chanteuses reprenant des chansons tziganes inconnues de Shazam et Spotify, Billie Holliday, Nina Simone, Alain Souchon, Georges Brassens, et d’autres voix encore. Plus tard, j’ai commencé à emprunter des disques à la médiathèque et à les enregistrer sur mon ordinateur. Je créais une collection de sons, un peu à la manière des expériences et des anecdotes que je consignais dans mes journaux intimes.

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Les corps manquants de nos danses contemporaines

entretien avec Isabelle Ginot réalisé par Meriel Kenley

De Françoise à Alice de Mickaël Phelippeau, 2020. Sur la photo : Françoise et Alice Davazoglou
© Mickaël Phelippeau

Depuis la rentrée académique 2019, la mission Recherche de La Manufacture propose un cycle de conférences, destiné principalement aux étudiant·es mais aussi ouvert sur inscription. Le 6 décembre 2021, Isabelle Ginot a dressé dans ce cadre un panorama de la diversité des questions que pose l’accolement des deux termes handicaps et danse.

Comment en êtes-vous arrivée au travail que vous menez autour du handicap ?

J’ai commencé à m’intéresser à la question du handicap indirectement : cela ne faisait plus sens pour moi d’être dans le champ des avant-gardes chorégraphiques contemporaines où je me situais jusque-là dans mes cours et mes recherches.

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Une danse ancienne – podcast audio

Réalisation Alice Boccara-Lefèvre

Comment conjugue-t-on une danse au futur antérieur ?

Délia Krayenbühl, Ondine Cloez et Laura Gaillard, Place Corminjoz, Prilly, 2020, photo de Rémy Héritier

Comment rendre pérenne une danse, en faire un rite ? Si des danses ont été archivées par des images ou des mots depuis l’Antiquité, et si les pratiques de notations chorégraphiques se multiplient depuis le 17e siècle avec des systèmes de partitions, de schémas et d’enregistrements photo et vidéo, la question de comment transmettre une danse reste encore aujourd’hui largement irrésolue. Finalement, c’est toujours le corps qui reste le meilleur moyen de transmission d’une danse ; parce qu’il est son premier réceptacle et son instrument.

Le chorégraphe Rémy Héritier et son équipe ont travaillé sur la place de Corminjoz, à Prilly, dans l’Ouest lausannois. Leur but : solliciter des contributeurs et contributrices volontaires (habitant·es du quartier, enfants et adultes, historien·nes, archivistes, artistes) afin de créer une danse, qui devienne un rite propre au lieu où elle est née, où elle sera dansée chaque année à la même date par Délia Krayenbühl.

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Rendre sensible

par Julie-Kazuko Rahir

Julie-Kazuko Rahir, IFELD 3, Lyon. Photo: Christine Barrat

Développée dans les années 50, la méthode Feldenkrais propose de prendre conscience des mouvements que nous faisons habituellement sans réfléchir et d’investiguer des possibilités qui nous paraissent moins évidentes. Elle se pratique en séances collectives et individuelles. Lors des premières, le praticien ne fait pas la démonstration des mouvements à exécuter. Il propose oralement aux participants d’explorer des mouvements habituels ou inhabituels, et les invite à focaliser leur attention sur leurs sensations et sur les relations entre les différentes parties de leur squelette. Les mouvements sont effectués lentement, sans efforts musculaires inutiles. Chacun agit à son propre rythme et expérimente pour lui-même la solution la mieux adaptée à ses schémas de comportement. Dans une séance individuelle, le praticien guide surtout par le toucher la personne dans sa prise de conscience et son apprentissage. La méthode vise à développer la capacité à se guider soi- même, dans un apprentissage autonome – sans correction extérieure – à l’aide d’une compréhension sensible et empirique et d’une exploration minutieuse tout au long de laquelle il s’agit de glaner des informations sensorielles (surtout kinesthésiques et proprioceptives).

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Le journal des disparus

par Melissa Guex

Savoirs Sensibles présente des extraits des mémoires des étudiant·es de La Manufacture.

Mélissa Guex, De ceux, La Manufacture, 2019 © Gregory Batardon

(p.12)

Appel à projet aux fantômes :

Laissez-les remonter le fil du passé et venir jusqu’à vous.
Qu’ils soient beaux ou laids, que vous en soyez fiers, ou qu’ils vous fassent
honte,
Laissez ces personnages d’un autre temps habiter votre présent.
Utilisez leur force et leur singularité pour être pleinement vous-mêmes.
Ne les reniez pas.
Ils frappent à la porte de vos souvenirs.
Ils donnent le rythme de la recherche et de la création.
Si vous vous promenez dans les abysses de votre être à la recherche d’inspiration, vos chemins se croiseront.
Laissez-vous envahir par la transe de ce rythme incessant.
Deux baguettes qui roulent dans votre tête, la nuit, le jour.
Laissez-les entrer.
Bienvenue.

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Faites vos jeux !

par Lise Michel

Dirigé par Nicolas Zlatoff, diplômé du Master Théâtre orientation Mise en scène de La Manufacture en 2015, le projet Interprétation s’inscrit dans un questionnement mené depuis plusieurs années par le metteur en scène autour de ce qui, chez l’acteur, provoque le jeu (ATLAS , 2016 ; PENSÉE , 2017). Il cherche à rendre visible, pour des observateurs, le processus « en général silencieux et invisible » de la pensée d’un acteur au moment où il fait sien un matériel textuel pour le jouer.

Arnaud Huguenin et Lisa Veyrier © Ivo Fovanna, 2019

Sous le titre Interprétation / L’amour fou du théâtre, la recherche a été exposée sous forme de performance au Théâtre Saint-Gervais à Genève, du 27 novembre au 15 décembre 2019. Six acteurs (Prune Beuchat, Estelle Bridet, Cécile Goussard, Arnaud Huguenin, Lucas Savioz et Lisa Veyrier) s’y trouvaient chaque jour, cinq heures durant, en situation de s’approprier, sous le regard du public, un texte du répertoire classique – en l’occurrence Le Cid de Pierre Corneille, créé en 1637 au Théâtre du Marais à Paris. Sous forme d’improvisations, sollicitant leurs propres images et références, les comédiens cherchaient à épouser, avec le plus de précision possible, le mouvement de chacune des scènes  de Corneille que, par principe, ils n’avaient pas apprises par cœur. En dialogue avec eux, sur le plateau, quatre chercheurs universitaires (Danielle Chaperon, Eric Eigenmann, Marc Escola, et moi-même) commentaient ces propositions en apportant des références littéraires ou théoriques et en proposant des remarques d’ordre dramaturgique, que les acteurs réinsufflaient ensuite dans leur propre jeu. Sur le plateau également, un spectateur témoin (Davide Brancato) était chargé d’assurer, par écrit, une trace des échanges.

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Chatbot – podcast audio

réalisation Alice Boccara-Lefèvre

© Ivo Fovanna, 2020

Chatbot est un projet de recherche mené par le metteur en scène Nicolas Zlatoff entre 2019 et 2021. Il réunit une équipe de comédiens et comédiennes et des spécialistes de l’informatique pour fabriquer et représenter une intelligence artificielle capable d’improviser avec un·e partenaire humain·e de la même façon qu’un·e acteur·rice le ferait en répétition. Dépositaire des textes générés par la machine, les comédien·nes deviennent des êtres hybrides, des cyborgs.

Eloge aux capacités de jeu et d’improvisation des acteur·rices, “Chatbot” offre la possibilité de s’interroger sur les biais sociaux qui sont transmis aux robots.

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